La madre en el teatro clásico español. Personaje y referencia persigue dos fines muy concretos: por una parte, hacer una puesta a punto de un aspecto de no escasa importancia para el teatro clásico español como es el de la presencia de la Madre. Por otra, ofrecer una serie de trabajos que reafirman y acentúan las opiniones expresadas hasta el momento por algunos, aunque no muchos, estudiosos anteriores. La decena de trabajos que conforman el libro muestran que la Madre es un personaje de no escasa relevancia en el teatro áureo y, por supuesto, bastante más que una referencia ausente o una figura teatral completamente ajena al sistema dramático de la comedia nueva, como tópicamente se ha escrito en tantas ocasiones. LUCIANO GARCÍA LORENZO es Profesor de Investigación en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y ha pertenecido a su Comisión Científica y a su Junta de Gobierno. Ha dirigido el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y ha sido asesor literario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, profesor de las Universidades de Montreal y Complutense de Madrid y profesor invitado en diversas universidades de Europa, Estados Unidos y Canadá. Es autor de numerosos libros, ediciones de textos y artículos, especialmente sobre el teatro español del Siglo de Oro y del siglo XX. Del mismo autor en esta misma serie: La criada en el teatro español del Siglo de Oro, número 171 El figurón. Texto y puesta en escena, número 165 El teatro clásico a través de sus monarcas, número 158 La construcción de un personaje: el Gracioso, número 147
Este libro va dirigido a todas las personas que desean participar de las acciones creativas que se producen en el espacio escénico a través de los elementos escenográficos que lo componen: cuerpo, iluminación, indumentaria, espacio sonoro, movimiento, acción Las múltiples combinaciones de estos elementos conforman las bases arquitectónicas del juego escénico, con las que se elaborará la plasticidad, la espontaneidad y la imaginación del hecho teatral. El cuerpo, el espacio y la imagen serán otras herramientas con las que el actor tendrá que gestionar la elaboración de sus discursos escénicos, promoviendo las dramaturgias visuales que hayan surgido del encuentro de la acción directa, el azar y el desconcierto. Un ángulo, una altura, una línea, un cuerpo, una palabra o una imagen, conceptos todos que los actores utilizan para marcar y delimitar espacios de acción y formación de otros nuevos, son útiles para organizar las bases de la composición plástica en la escena y también servirán para crear personales escrituras de acción. No solamente se habla en estas páginas del espacio escénico, sino también de las artes plásticas que lo sostienen, de sus funciones y de sus gestos creativos, que son utilizados para descubrir otros espacios donde los actores inventen estrategias formales y conceptuales que les sirvan para trabajar el trasvase del plano bidimensional al tridimensional. El espacio es también el concepto con el que el artista desea plasmar su pensamiento de acción, siendo la construcción visual de sus percepciones la que ponga en pie su mundo imaginado. Espacio creativo y espacio pedagógico se colocan frente a frente para indicar la necesaria colaboración entre ambos, para concebir pedagogías del arte y arte en la pedagogía. Ambas palabras se deben experimentar in situ para hablar de la plástica escénica en El cuerpo en el espacio y poner la experiencia en disposición de tomar decisiones que ayuden a entender la práctica artística. José Luis Raymond inicia su formación creativa y pedagógica en la Escuela de Profesorado de EGB y en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco (UPV/EHU), donde se doctora con la tesis El cuerpo como generador de nuevos espacios escénicos. También ha realizado el Máster de Investigación en Arte y Creación de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Cursa estudios de posgrado de escenografía en la Akademia Sztuk Piekni (Warszawie). Desde 1990 hasta la actualidad es profesor en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), donde imparte las asignaturas de Espacio Escénico, Escenografía y El actor en el espacio, siendo esta última materia la que le ha llevado a la investigación y publicación de este libro. José Luis Raymond ha impartido estos procesos plásticos-escénicos en másteres y grados de universidades españolas e internacionales como la Universidad Michel de Montaigne (Burdeos), la Academia de las Artes de Shanghái, Middlesex University (Inglaterra), etc. Compagina la pedagogía creativa con la actividad artística, en la que realiza exposiciones de pintura, instalación y fotografía, así como el diseño escenográfico, la dirección de escena y las acciones directas. En el año 2015 desarrolla el comisariado nacional para la Cuatrienal de Escenografía en Praga. Es miembro fundador de la Asociación de Artistas Plásticos de España (AAPEE).
GLOTODIDÁCTICA TEATRAL es el testimonio de las relaciones e ideas sobre el uso del dispositivo teatral en la enseñanza de idiomas y pretende ser una herramienta para la reflexión dirigida a todos aquellos que quieran acercarse a la enseñanza de idiomas t
Siendo estudiante de interpretación en Colombia, me formulaba una pregunta en los siguientes términos: ¿cómo podría la naciente industria de la computación y la informática aportarle elementos a la escena? Desde aquellos años, finales de los ochenta, hasta la concreción de la tesis doctoral Realidad virtual, escenografía y transformación. Nuevas concepciones del espacio escénico en el teatro actual (2006), génesis de este libro, han transcurrido años en los que la informática ha pasado de ser una herramienta utilitaria al servicio de la industria, a una entidad ubicua que encontramos en casi todos los rincones de nuestra casa. Entonces hablar de las tecnologías de la información y la comunicación [TIC] era impropio, ya que apenas aparecían en el horizonte de la vida cotidiana. Para contestar aquella pregunta este volumen se ha planteado dos retos. Por una parte, analizar aspectos concernientes al término virtual, su constante actualización su implicación en diversas actividades en nuestros días. Por otra, se trata de referenciar su técnica y su tecnología para luego, por medio de un análisis de ciertas investigaciones históricas en torno al espacio escénico, imbricar lo virtual con el hecho teatral, desde sus posibilidades teóricas, a fin de hacer una propuesta escenográfica para un posible espectáculo del llamado «teatro virtual». Una propuesta que parta, efectivamente, del hecho tecnológico y no de conceptos en torno a la relación virtualidadteatro, denominada escenografía aumentada en el contexto de este trabajo. JORGE IVÁN SUÁREZ es Doctor en Bellas Artes (UCM), Máster Internacional en Escenografía por la misma institución y egresado en Dirección Escénica por la RESAD. Se formó como actor y director en el laboratorio William Layton y en el Teatro de la Danza de Madrid. Ha sido profesor en la RESAD, en el CSD María de Ávila y en la Facultad de Bellas Artes (UCM). Ha trabajado bajo la dirección de Enrique Vargas, Antonio Yopis y Luis Olmos. De su labor en dirección escénica destacan las obras Proyecto w@rs, Infieles, premio en el XII Festival de Teatro UPM, El barbero de Sevilla. La zarzuela y Sabina y las brujas, entre otros montajes y colaboraciones como asistente de dirección, escenógrafo o creativo multimedia, tanto en ópera como en teatro.
La presente obra plantea el reto de establecer los precedentes del proyecto de vestuario teatral desde sus orígenes, en los siglos XVI y XVII, y analiza su evolución posterior hasta llegar a la época moderna, cuando dicho proyecto adquiere por fin carta de naturaleza. Estudia la contribución al diseño de vestuario de los principales países europeos que, desde el siglo XVI, destacaron en el campo de las artes escénicas. Es una obra innovadora, ya que por primera vez aborda la génesis de los figurines para indumentaria en teatro, ópera y ballet, a la vez que explora la influencia de los figurinistas en el mundo del espectáculo y su relación con las diversas corrientes artísticas. Salvo excepciones, las monografías sobre vestuario teatral al uso inciden principalmente en los diversos estilos y modas de la indumentaria, con independencia de su aplicación en la puesta en escena. Esta obra, sin embargo, considera la evolución del vestido en función del diseño para un determinado espectáculo, por lo que su aparición viene a cubrir un hueco importante en la bibliografía en lengua española sobre vestuario para teatro, ópera y ballet. Además, su detallada documentación, su claridad de estilo y exposición, las láminas que incluye y su orientación histórica hacen que este libro sea especialmente recomendable para estudiantes y profesores de Artes Escénicas, Bellas Artes y escuelas de diseño. María Sierra Roldán Moral, nacida en Cabra (Córdoba), es maestra, licenciada en Artes Escénicas y doctora en Ciencias del Espectáculo por la Universidad de Sevilla.
Prevenidos es la contraseña de los distintos departamentos técnicos durante una función escénica. José María Labra ha convertido estas Conversaciones en un libreto similar al de cualquier espectáculo en prosa o en verso, con sus correspondientes actos o escenas. En esta obra teatral en siete actos se hace un recorrido por todo ese proceso en el que lo técnico y lo creativo se entremezclan de modo inseparable, con información sobre aspectos fundamentales del trabajo de los técnicos de cada una de las secciones que forman parte de la plantilla de un teatro (regiduría, maquinaria, electricidad, utilería, sastrería, audiovisuales, peluquería, maquillaje, apuntador); producción y dirección técnica; ayudante de dirección y los diseñadores artísticos; ensayos y montaje; representaciones; teatro público/teatro privado; homenaje al actor y agradecimiento al público.
Un libro imprescindible que toda compañía teatral ya sea amateur o profesional, debería tener en su biblioteca antes de iniciar un nuevo proyecto. Por que en él se pueden encontrar todos los elementos necesarios- tanto técnicos como artísticos- para poner en marcha un espectáculo. Como plantear un calendario de ensayos, la iluminación, el papel del escenográfo, como manejar el ego de los actores... Como escoger el texto apropiado La composición del equipo artístico ¿Qué profesionales debe haber en el equipo técnico? Trabajar a partir de la improvisación
¿Qué mejor técnica para subir a un escenario que la utilizada por los actores desde hace miles de años? La oratoria es la forma de comunicación más próxima al hecho teatral, y eso me ha llevado a desarrollar una nueva forma de abordar la tarea. En este manual encontrarás los planteamientos, ideas y consejos más útiles para aplicar la técnica del actor a tus presentaciones. Aquí descubrirás: - Cómo mostrarte más seguro, creíble, convincente y profesional. / - Dónde poner tu atención para comunicarte de forma más viva, más espontánea y más humana. / - Lo que nadie te ha enseñado sobre las presentaciones en público. ¿Te vienes?
Este es un manual para que los niños y jóvenes de este siglo aprendan a hacer teatro. Un libro dirigido a pedagogos y padres que quieren ofrecer a sus alumnos e hijos una de las mejores herramientas que se conocen para ampliar el horizonte personal. A partir de los cuatro años, hasta los 17, aquí se suceden, de forma sencilla y divertida, ejercicios teatrales con los que los niños y jóvenes conseguirán dominar el lenguaje del cuerpo. Este manual nos demuestra que garantizar las experiencias teatrales en la enseñanza de los niños y jóvenes es una tarea urgente de la que todos debemos formar parte.
Este libro trata sobre algunas modalidades de teatro aplicado. Un teatro para otros fines no solo para los puramente estéticos, que dirige su foco a ayudar a los individuos o colectivos con carencias en alguna dimensión personal o social, vivida como insatisfacción, exclusión, marginación u opresión. Aquí es donde el teatro interviene en el escenario de la vida, propiciando la percepción de la realidad, el aprendizaje y el cambio. Concebimos el teatro como una red neuronal social con una gran potencialidad de transformación gracias a su plasticidad para modificar las cosas y como un instrumento de reflexión, cooperación y empatía: un cerebro social en movimiento. De entre las diversas modalidades de teatro aplicado, este libro se centra en el teatro del oprimido, el teatro playback y la dramaterapia. Y trata de diseñar un marco teórico, exponer experiencias y proporcionar estrategias para la práctica profesional de profesores, educadores sociales, actores y psicoterapeutas, y, en general, para todas aquellas personas interesadas en el teatro no convencional.
La madre en el teatro clásico español. Personaje y referencia persigue dos fines muy concretos: por una parte, hacer una puesta a punto de un aspecto de no escasa importancia para el teatro clásico español como es el de la presencia de la Madre. Por otra, ofrecer una serie de trabajos que reafirman y acentúan las opiniones expresadas hasta el momento por algunos, aunque no muchos, estudiosos anteriores. La decena de trabajos que conforman el libro muestran que la Madre es un personaje de no escasa relevancia en el teatro áureo y, por supuesto, bastante más que una referencia ausente o una figura teatral completamente ajena al sistema dramático de la comedia nueva, como tópicamente se ha escrito en tantas ocasiones. LUCIANO GARCÍA LORENZO es Profesor de Investigación en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y ha pertenecido a su Comisión Científica y a su Junta de Gobierno. Ha dirigido el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y ha sido asesor literario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, profesor de las Universidades de Montreal y Complutense de Madrid y profesor invitado en diversas universidades de Europa, Estados Unidos y Canadá. Es autor de numerosos libros, ediciones de textos y artículos, especialmente sobre el teatro español del Siglo de Oro y del siglo XX. Del mismo autor en esta misma serie: La criada en el teatro español del Siglo de Oro, número 171 El figurón. Texto y puesta en escena, número 165 El teatro clásico a través de sus monarcas, número 158 La construcción de un personaje: el Gracioso, número 147
Este libro va dirigido a todas las personas que desean participar de las acciones creativas que se producen en el espacio escénico a través de los elementos escenográficos que lo componen: cuerpo, iluminación, indumentaria, espacio sonoro, movimiento, acción Las múltiples combinaciones de estos elementos conforman las bases arquitectónicas del juego escénico, con las que se elaborará la plasticidad, la espontaneidad y la imaginación del hecho teatral. El cuerpo, el espacio y la imagen serán otras herramientas con las que el actor tendrá que gestionar la elaboración de sus discursos escénicos, promoviendo las dramaturgias visuales que hayan surgido del encuentro de la acción directa, el azar y el desconcierto. Un ángulo, una altura, una línea, un cuerpo, una palabra o una imagen, conceptos todos que los actores utilizan para marcar y delimitar espacios de acción y formación de otros nuevos, son útiles para organizar las bases de la composición plástica en la escena y también servirán para crear personales escrituras de acción. No solamente se habla en estas páginas del espacio escénico, sino también de las artes plásticas que lo sostienen, de sus funciones y de sus gestos creativos, que son utilizados para descubrir otros espacios donde los actores inventen estrategias formales y conceptuales que les sirvan para trabajar el trasvase del plano bidimensional al tridimensional. El espacio es también el concepto con el que el artista desea plasmar su pensamiento de acción, siendo la construcción visual de sus percepciones la que ponga en pie su mundo imaginado. Espacio creativo y espacio pedagógico se colocan frente a frente para indicar la necesaria colaboración entre ambos, para concebir pedagogías del arte y arte en la pedagogía. Ambas palabras se deben experimentar in situ para hablar de la plástica escénica en El cuerpo en el espacio y poner la experiencia en disposición de tomar decisiones que ayuden a entender la práctica artística. José Luis Raymond inicia su formación creativa y pedagógica en la Escuela de Profesorado de EGB y en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco (UPV/EHU), donde se doctora con la tesis El cuerpo como generador de nuevos espacios escénicos. También ha realizado el Máster de Investigación en Arte y Creación de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Cursa estudios de posgrado de escenografía en la Akademia Sztuk Piekni (Warszawie). Desde 1990 hasta la actualidad es profesor en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), donde imparte las asignaturas de Espacio Escénico, Escenografía y El actor en el espacio, siendo esta última materia la que le ha llevado a la investigación y publicación de este libro. José Luis Raymond ha impartido estos procesos plásticos-escénicos en másteres y grados de universidades españolas e internacionales como la Universidad Michel de Montaigne (Burdeos), la Academia de las Artes de Shanghái, Middlesex University (Inglaterra), etc. Compagina la pedagogía creativa con la actividad artística, en la que realiza exposiciones de pintura, instalación y fotografía, así como el diseño escenográfico, la dirección de escena y las acciones directas. En el año 2015 desarrolla el comisariado nacional para la Cuatrienal de Escenografía en Praga. Es miembro fundador de la Asociación de Artistas Plásticos de España (AAPEE).
GLOTODIDÁCTICA TEATRAL es el testimonio de las relaciones e ideas sobre el uso del dispositivo teatral en la enseñanza de idiomas y pretende ser una herramienta para la reflexión dirigida a todos aquellos que quieran acercarse a la enseñanza de idiomas t
Siendo estudiante de interpretación en Colombia, me formulaba una pregunta en los siguientes términos: ¿cómo podría la naciente industria de la computación y la informática aportarle elementos a la escena? Desde aquellos años, finales de los ochenta, hasta la concreción de la tesis doctoral Realidad virtual, escenografía y transformación. Nuevas concepciones del espacio escénico en el teatro actual (2006), génesis de este libro, han transcurrido años en los que la informática ha pasado de ser una herramienta utilitaria al servicio de la industria, a una entidad ubicua que encontramos en casi todos los rincones de nuestra casa. Entonces hablar de las tecnologías de la información y la comunicación [TIC] era impropio, ya que apenas aparecían en el horizonte de la vida cotidiana. Para contestar aquella pregunta este volumen se ha planteado dos retos. Por una parte, analizar aspectos concernientes al término virtual, su constante actualización su implicación en diversas actividades en nuestros días. Por otra, se trata de referenciar su técnica y su tecnología para luego, por medio de un análisis de ciertas investigaciones históricas en torno al espacio escénico, imbricar lo virtual con el hecho teatral, desde sus posibilidades teóricas, a fin de hacer una propuesta escenográfica para un posible espectáculo del llamado «teatro virtual». Una propuesta que parta, efectivamente, del hecho tecnológico y no de conceptos en torno a la relación virtualidadteatro, denominada escenografía aumentada en el contexto de este trabajo. JORGE IVÁN SUÁREZ es Doctor en Bellas Artes (UCM), Máster Internacional en Escenografía por la misma institución y egresado en Dirección Escénica por la RESAD. Se formó como actor y director en el laboratorio William Layton y en el Teatro de la Danza de Madrid. Ha sido profesor en la RESAD, en el CSD María de Ávila y en la Facultad de Bellas Artes (UCM). Ha trabajado bajo la dirección de Enrique Vargas, Antonio Yopis y Luis Olmos. De su labor en dirección escénica destacan las obras Proyecto w@rs, Infieles, premio en el XII Festival de Teatro UPM, El barbero de Sevilla. La zarzuela y Sabina y las brujas, entre otros montajes y colaboraciones como asistente de dirección, escenógrafo o creativo multimedia, tanto en ópera como en teatro.
La presente obra plantea el reto de establecer los precedentes del proyecto de vestuario teatral desde sus orígenes, en los siglos XVI y XVII, y analiza su evolución posterior hasta llegar a la época moderna, cuando dicho proyecto adquiere por fin carta de naturaleza. Estudia la contribución al diseño de vestuario de los principales países europeos que, desde el siglo XVI, destacaron en el campo de las artes escénicas. Es una obra innovadora, ya que por primera vez aborda la génesis de los figurines para indumentaria en teatro, ópera y ballet, a la vez que explora la influencia de los figurinistas en el mundo del espectáculo y su relación con las diversas corrientes artísticas. Salvo excepciones, las monografías sobre vestuario teatral al uso inciden principalmente en los diversos estilos y modas de la indumentaria, con independencia de su aplicación en la puesta en escena. Esta obra, sin embargo, considera la evolución del vestido en función del diseño para un determinado espectáculo, por lo que su aparición viene a cubrir un hueco importante en la bibliografía en lengua española sobre vestuario para teatro, ópera y ballet. Además, su detallada documentación, su claridad de estilo y exposición, las láminas que incluye y su orientación histórica hacen que este libro sea especialmente recomendable para estudiantes y profesores de Artes Escénicas, Bellas Artes y escuelas de diseño. María Sierra Roldán Moral, nacida en Cabra (Córdoba), es maestra, licenciada en Artes Escénicas y doctora en Ciencias del Espectáculo por la Universidad de Sevilla.
Prevenidos es la contraseña de los distintos departamentos técnicos durante una función escénica. José María Labra ha convertido estas Conversaciones en un libreto similar al de cualquier espectáculo en prosa o en verso, con sus correspondientes actos o escenas. En esta obra teatral en siete actos se hace un recorrido por todo ese proceso en el que lo técnico y lo creativo se entremezclan de modo inseparable, con información sobre aspectos fundamentales del trabajo de los técnicos de cada una de las secciones que forman parte de la plantilla de un teatro (regiduría, maquinaria, electricidad, utilería, sastrería, audiovisuales, peluquería, maquillaje, apuntador); producción y dirección técnica; ayudante de dirección y los diseñadores artísticos; ensayos y montaje; representaciones; teatro público/teatro privado; homenaje al actor y agradecimiento al público.
Un libro imprescindible que toda compañía teatral ya sea amateur o profesional, debería tener en su biblioteca antes de iniciar un nuevo proyecto. Por que en él se pueden encontrar todos los elementos necesarios- tanto técnicos como artísticos- para poner en marcha un espectáculo. Como plantear un calendario de ensayos, la iluminación, el papel del escenográfo, como manejar el ego de los actores... Como escoger el texto apropiado La composición del equipo artístico ¿Qué profesionales debe haber en el equipo técnico? Trabajar a partir de la improvisación
¿Qué mejor técnica para subir a un escenario que la utilizada por los actores desde hace miles de años? La oratoria es la forma de comunicación más próxima al hecho teatral, y eso me ha llevado a desarrollar una nueva forma de abordar la tarea. En este manual encontrarás los planteamientos, ideas y consejos más útiles para aplicar la técnica del actor a tus presentaciones. Aquí descubrirás: - Cómo mostrarte más seguro, creíble, convincente y profesional. / - Dónde poner tu atención para comunicarte de forma más viva, más espontánea y más humana. / - Lo que nadie te ha enseñado sobre las presentaciones en público. ¿Te vienes?
Este es un manual para que los niños y jóvenes de este siglo aprendan a hacer teatro. Un libro dirigido a pedagogos y padres que quieren ofrecer a sus alumnos e hijos una de las mejores herramientas que se conocen para ampliar el horizonte personal. A partir de los cuatro años, hasta los 17, aquí se suceden, de forma sencilla y divertida, ejercicios teatrales con los que los niños y jóvenes conseguirán dominar el lenguaje del cuerpo. Este manual nos demuestra que garantizar las experiencias teatrales en la enseñanza de los niños y jóvenes es una tarea urgente de la que todos debemos formar parte.
Este libro trata sobre algunas modalidades de teatro aplicado. Un teatro para otros fines no solo para los puramente estéticos, que dirige su foco a ayudar a los individuos o colectivos con carencias en alguna dimensión personal o social, vivida como insatisfacción, exclusión, marginación u opresión. Aquí es donde el teatro interviene en el escenario de la vida, propiciando la percepción de la realidad, el aprendizaje y el cambio. Concebimos el teatro como una red neuronal social con una gran potencialidad de transformación gracias a su plasticidad para modificar las cosas y como un instrumento de reflexión, cooperación y empatía: un cerebro social en movimiento. De entre las diversas modalidades de teatro aplicado, este libro se centra en el teatro del oprimido, el teatro playback y la dramaterapia. Y trata de diseñar un marco teórico, exponer experiencias y proporcionar estrategias para la práctica profesional de profesores, educadores sociales, actores y psicoterapeutas, y, en general, para todas aquellas personas interesadas en el teatro no convencional.