Le presentamos el catálogo de la exposición del Prado El siglo XIX en el Prado mediante la cual el museo pretende devolver a la luz pública su excelente colección del siglo XIX español tras un largo periodo de inaccesibilidad. Con este maravilloso catálog
Siguiendo con la colección iniciada con Capilla Sixtina, aparece ahora este segundo volumen en el que se nos muestra las cuatro grandes estancias que Rafael pintó en los aposentos papales. La obra se ilustra con abundante material gráfico inédito y realizado para la ocasión. Los textos son obra de Nicole Dacos, gran especialista en la obra de Rafael desde sus inicios académicos, hace ya más de treinta años.
Joan Sureda nos propone una visión renovada y rigurosa del gran artista español a través de dos recorridos visuales y literarios complementarios: un estudio cronológico y un análisis transversal de los grandes temas comunes en la obra de Goya (la guerra, la mujer, la fiesta, el poder, la religión, etc.?)
A quien viaje hoy por las antiguas ciudades holandesas, le llamarán principalmente la atención los cuadros de enormes dimensiones de los museos, pero también de los ayuntamientos, de los hospitales, de los asilos de pobres, de las compañías cívicas. No es común encontrar cuadros así en ningún otro lugar: cuadros con numerosas figuras, en ocasiones de cuerpo entero y otras veces de medio cuerpo, pero casi siempre se tamaño real, que aparecen unas junto a otras, bien sin relación entre ellas, bien presentando una conexión vaga, de forma que el observador casi nunca duda de su carácter de retrato.
Se habla constantemente de las nuevas tecnologías y de la radical transformación que su aplicación está suponiendo en las distintas actividades humanas, tanto desde el punto de vista del contenido como de la metodología de trabajo, y resulta muy necesario realizar un análisis profundo sobre su relación con el mundo de la exposición. Tres campos específicos son especialmente sensibles a dichos medios: por un lado, su faceta como técnica, que debería, bien aplicada, facilitar y, por tanto, mejorar, el diálogo entre la obra y el espectador (aspecto tratado en la parte «Nuevas tecnologías en los museos, de la contemplación a la experiencia»); en segundo lugar, el hecho de que se los considere como obra creativa en sí mismos, susceptible, pues, de ser «expuesta» al público («Museografía de las colecciones de intangibles»), y, finalmente, las transformaciones que su manejo está provocando tanto en el diseño y comprobación del proyecto expositivo, como en el cambio radical de la enseñanza del montaje de exposiciones («Los medios audiovisuales en la enseñanza de las técnicas expositivas y en la redacción/comprobación del proyecto»), un ámbito que implica personalmente a los autores de esta obra. Para llevar a buen puerto las dos primeras partes de este programa, se ha contado con la colaboración de los equipos profesionales más eficaces en cada caso: VideaLab (Grupo de Visualización Avanzada) de la Universidad de La Coruña, coordinado y dirigido por Luis Hernández, y el Grupo Interfaces Culturales, Arte y Nuevos Medios, de la Universidad de Castilla-La Mancha, adscrito al Mide (Museo Internacional de Electrografía de Cuenca), coordinado y dirigido por José Ramón Alcalá Mellado.
Lunwerg ofrece, de la mano de Joan Sureda, un título de exquisita edición sobre Velázquez. Su producción, su desarrollo cronológico y un análisis de los grandes temas que la conformaron son presentadas a través de una amplia selección de imágenes que, mediante un análisis global y de detalle, permite al autor darnos una completa y profunda visión de la obra de uno de los artistas más reconocidos de la pintura mundial.
Una obra imprescindible para todos aquellos que deseen profundizar en la figura de uno de los padres de la modernidad. A través de las conversaciones con otras personalidades como Jacques Gene o Apollinarie, conocemos las reflexiones, ideas y pensamientos de Matisse. Además, esta edición de Escritos y consideraciones sobre arte incorpora nuevas notas, muchas del propio Matisse, que acaban de contextualizar lo que el pintor pensaba sobre el color, el dibujo o las ilustraciones, entre muchos otros. El poeta y crítico Dominique Fourcade hace un esfuerzo de recopilación y sistematización del enorme corpus que constituyen los comentarios desgajados. Si bien Matisse se negó durante toda su vida a sistematizar sus pensamientos sobre el arte en una doctrina ordenada y escrita, convencido de que el pintor se expresa por medio de sus telas, Escritos y consideraciones sobre arte recoge las reflexiones, comentarios y juicios que en el transcurso de su vida compartió con algunos testigos privilegiados de su evolución pictórica. Así, además del testimonio del artista, en estas páginas aparecen las voces de Apollinaire o René Char, entre otros autores. El libro se organiza en grandes capítulos en los que desarrollan las cuestiones que más preocupaban a Matisse -como el oficio del pintor o el conflicto entre el color y el dibujo, por ejemplo- y esboza la firme trayectoria vital de un creador cuya obra sigue plenamente vigente.
El almanaque Der Blaue Reiter (El jinete azul) apareció en Múnich en la primavera de 1912. Fue una idea gestada por un grupo de artistas visionarios al frente de los cuales se hallaba Vasili Kandinsky y, un poco más tarde, Franz Marc. El pensamiento y la obra de la pléyade de artistas que pronto se vincularon con la corriente del Blaue Reiter no quiso ser una ruptura manifiesta con la tradición artística occidental, pero sí una superación de aquella tradición demasiado anclada en lo fenoménico. La característica fundamental de esta corriente artística era la voluntad de ir más allá de la envoltura -conjugando los diversos lenguajes artísticos- para llegar así a lo esencial. Lo que aunaba, pues, a esta constelación de artistas no era la unidad de estilo, sino más la coincidencia de objetivos. Así nació el almanaque Der Blaue Reiter, publicado varias veces en su lengua original y traducido a las principales lenguas europeas. Esta edición ofrece la traducción íntegra del texto original -siguiendo la cuarta edición alemana- con todas las ilustraciones de la edición de 1912, así como un índice minucioso y documentado de las distintas contribuciones, siguiendo las pautas de los estudios artísticos modernos.
Libro dividido en 6 capítulos dedicados a analizar detalles como la primera impresión cuando vemos un lienzo, su correspondencia con la realidad, las deformaciones de lo visible, o que no sugiere tener en cuenta la confusión de las apariencias. A través de obras de Botticelli, Vermeer, Dalí, Hooper, Rembrandt o Goya, se trata de un librito de arte perfecto para entender los diversos estilos del arte.
Taller de pintura aporta las bases teóricas indispensables para empezar a pintar, y una serie de ejercicios de temas variados para ponerlas en práctica. El bodegón, entendido como género, presenta muchas ventajas para el principiante: permite gran variedad de combinaciones y puntos de vista distintos, un control completo sobre la luz y la tranquilidad de poder trabajar en la intimidad del estudio sin ningún límite de tiempo. Esta obra ofrece al pintor novel la oportunidad de practicar la composición y los efectos de sombreado sobre los elementos del bodegón, e invita al artista avanzado a profundizar en sus técnicas de representación utilizando diferentes procedimientos artísticos que tienen tanta actualidad hoy como en cualquier época pasada.
Aquest llibre tracta de la funció crítica de les arts visuals a lèpoca moderna, de les obres que contenen una polèmica oberta contra un personatge, una institució o un fet. Recull lexistència dun art combatiu en dates anteriors al segle XVIII i estudia les condicions de producció, difusió i recepció daquestes imatges. En quin context sorgiren, què nexplica laparició, qui les encarregà o qui les elaborà.
